Même si l’artwork de Ghosthaus laisserait supposer une énième horreur witch house, même si on culpabilise de s’être attardé un peu plus que de raison sur son cas alors qu’elle n’a sorti que deux maxis, on se dit que la musique y est quand même un peu pour quelque chose: c’est le très respectable label hollandais Rush Hour, qu’on n’oserait jamais suspecter d’avoir flairé un bon plan marketing, qui a sorti Ghosthaus, qui est excellent de bout en bout.

Preuve par le media, on vous propose “Rainy Day Juno Jam”, petite ballade AFX-ienne liquide et faussement pudibonde qui vient du flip. On remercie Guillaume Heuguet de Foolhouse pour le tip.

Tous nostalgiques de ce temps de vaches maigres où voir un docu de Herzog ou écouter un album de Drexciya, enregistrer un Mellotron ou monter un clip demandaient des efforts considérables, on stocke sur nos disques durs des tonnes de merveilles qu’une vie entière ne suffirait pas pour qu’on puisse en profiter; on milite simultanément pour la libre circulation de la culture et pour la rémunération des acteurs indépendants, on argumente autant sur la démocratisation de l’art que la rareté du talent, on fustige autant l’élitisme petit-bourgeois des vieux musiciens installés que les kids inconscients qui torchent des tracks sur Ableton live entre un twit et un épisode de Breaking Bad.

Bref, nous sommes tous simultanément des luddites modérés et des technopositivistes dépressifs, et le gros des débats ne se fait pas sur internet, mais dans nos propres coeurs.

Parce que comme l’explique Moby, “Presque tous les acteurs du monde de l’art, de la musique, de la littérature et de la création sont à la fois excités et terrifiés, personne ne sait d’où viendra la prochaine paye mais tout le monde est excité de pouvoir créer et communiquer avec son public si vite“, David Dworsky et Victor Köhler de l’agence suédoise House of Radon ont eu la presciente idée de se pencher sur ce panier de crabes théorique et d’en faire un film.

PressPausePlay est un long, beau documentaire qui questionne autant les artistes (Moby, Robyn, Yasuhiko Fukuzono, la cinéaste Lena Dunham) que les théoriciens (le GENIAL Bill Drummond de The KLF, Seth Godin) et les pièces rapportées (une ancienne CEO de la RIAA, des gens de The Hype Machine, Pitchfork, Last FM et The Wire) et si on en sort pas plus renseignés sur nos déchirements éthiques, si la question :”Est-ce que Scorcese ou Hitchcock auraient eu la même carrière s’ils avaient débuté en 2010, est-ce que leur art aurait été englouti dans l’océan de caca d’internet?” reste sans réponse, ça fuse vraiment.

Et même Moby est intéressant (on lui est reconnaissant de nous mettre à la page sur le principe de Grey Goo).

Bien sûr, la réalisation est un poil convenue (interview table basse, habillages animés façon Sundance, foules de danseurs qui sautent au ralenti comme dans Matrix), mais on n’avait jamais vu de doc si docte et pertinent sur la question. Produit de manière complètement indépendante, le film est regardable intégralement (et en HD s’il vous plaît) ci-dessous ou à télécharger gratuitement sur le site officiel.

PressPausePlay from House of Radon on Vimeo.

“C’est salaud”, fustigerez-vous, “infidèles” brandirez-vous, et vous aurez raison. Rappelons simplement qu’aucun choix n’est définitif en ce bas monde, et que le trompettes qui volent, ça me pose problème.

Willona M. Sloan, alias DC Scorpion Girl du zine punk féministe Scorpion, vient de mettre en  ligne son énorme collection de flyers de concerts punk et hardcore, ramassés et amassés tout autour de Washington mais aussi en Asie, en France, en Amérique du Sud et au Royaume-Uni sur une période de plus de 10 ans.

Collectionneuse compulsive, Sloan avait plus ou moins abandonné un projet de beau livre qui les rassemblerait tous sur papier glacé, mais a vraisemblablement été rattrapée par la nostalgie (et la fièvre partageuse d’internet).

“Je suis très fière de cette collection de flyers, parce qu’elle atteste du côté fabuleux de la communauté punk, et reflète les liens que j’y ai noués à une époque tendre et formative de ma vie. Ces gens comprenaient et savaient apprécier ma trajectoire, et ont partagé la leur avec moi (…). C’est une collection intime, constituée par des punks qui collectionnaient de leur côté des flyers des concerts organisés à côté de chez eux ou par leurs amis autour du monde. Ils m’ont envoyé ceux qu’ils préféraient; j’ai sélectionné ceux que je préférais à mon tour”.

Le eBook est dispo pour rien sur son site, on ne saurait trop vous conseiller d’aller y faire un tour et de l’enfouir dans un coin de votre propre disque dur.

Un généreux internaute  a uploadé les quatre épisodes de Four American Composers, série de quatre documentaires réalisés au début des années 80 par Peter Greenaway sur John Cage, Meredith Monk, Robert Ashley et Philip Glass.

On connaissait le goût de Greenaway pour les faux-documentaires (avez vous-vu le génial The Coastline?) et la musique répétitive (voir sa relation de travail étroite avec Michael Nyman), mais on n’avait aucune idée que l’auteur du Ventre de l’architecte et de Drowning by Numbers s’était un jour penché sur le cas de l’école minimaliste américaine.

D’après la page de la plateformes d’archives d’avant-garde Ubu, les quatre documentaires auraient largement contribué à faire connaître les quatre compositeurs au Royaume-Uni, et celui Philip Glass en particulier est du genre précieux.

Rappelons qu’en 1983, date où le film fut tourné, l’Américain était dans une superbe effusion: il venait de boucler la b.o. de Koyaanisqatsi (toujours sa plus célèbre à ce jour) et de sortir Glassworks, énorme bestseller qui l’a fait connaître au grand public et aux yuppies autour du monde.

Dans ce beau documentaire à la photo et au montage typiquement early 80s, on peut l’entendre parler avec les membres de son fameux Philip Glass Ensemble et dire beaucoup de choses pertinentes sur le temps, la répétition et la modernité.

Pour les amateurs de gear porn, on peut aussi (surtout) le voir jouer Music in Similar Motion sur un Prophet 5, soit l’un des dix synthétiseurs américains les plus importants de l’histoire des synthétiseurs américains.

Dodecahedron est une bande de newbies originaire de Tilburg, aux Pays-Bas (pas vraiment la nation la plus dense en légions satanistes) qui donne dans le crossover futuriste avant-metal façon Relapse mais qui sort son premier album chez Season of Mist.

La fameuse maison metal de Marseille nous les vend comme une sorte de black intello, dans la lignée des excellents (quoi qu’un poil sérieux) Deathspell Omega ou des non moins excellents (quoi qu’un peu sérieux aussi) Blut Aus Nord, ou du fabuleux Ordo Ad Chao des vétérans Mayhem.

D’un morceau à l’autre, on entend plutôt un énième gloubiboulga metalcore vaguement plus dissonant que la moyenne, mais l’énergie est là, les blast beats tapissent bien l’oreille, et le chanteur est cool.

On vous met le morceau éponyme qui ouvre ALLfather, leur tout, tout premier album, qui ressemble presque à du Converge indus, du Thorns ou du Emperor démantibulé. Et les petits gars sont cohérents, ils ont mélangé un dodécahédron et le logo de Darkthrone sur leur pochette.

Ce matin, c’est un groupe de spécialistes, du genre de ceux pour qui aucune diatribe n’est nécessaire pour justifier leur présence dans la section j’aime l’odeur du napalm le matin, qui vient remettre les pendules à l’heure et gratifier le web de sa dernière performance. Le trio new yorkais A Place To Bury Strangers est de retour, et ça sent le souffre.

Ce qui est beaucoup plus difficile à expliquer par contre, c’est le clip qui accompagne Moon of Peaceful Planet. Quel rapport entre le son retro-futuriste des néo-zélandais et les gestes de victoire des plus grands golfeurs du monde? A pas compris.

Vous me direz: On n’a pas besoin de comprendre un coucher de soleil pour le trouver beau, donc à quoi bon essayer d’intellectualiser l’auto-congratulation, le poing serré, d’un Tiger Woods après un Birdie? Pas faux. Le morceau est cool, et le golf au fond c’est un truc inoffensif. Personne ne déteste le golf au point de ne pas vouloir regarder ce clip, ce qui est déjà une raison suffisante pour en mettre partout.

L’album de Golden Axe Liquid Bacon, sorti en décembre dernier, est en écoute après la vidéo.

Bref, on a pas la place pour vous pondre un énième laïus sur l’importance de la cosmogonie Trey Spruance-esque (Sohrawaradi, la théosophie, Seraphim Rose, les gialli, le death metal etc.) mais notez au moins dans un coin de votre tête que Secret Chiefs 3 ne s’attaquent jamais à un cover sans raison cachée ou mystère enfoui.

Ici, ils ressuscitent simultanément  la version originale de La chanson de Jacky et  Jackie, la version en anglais dans le texte de Scott Walker, avec l’espoir secret de révéler une “troisième dimension”. Et sur le flip, c’est presque aussi intense puisque la bande de Spruance revisite en version “spaghettisée” le thème The Exile, classique du classique Book of Horizons.

Pour une fois, pas de stream parce qu’aucune version digitale n’est prévue, mais on vous pousse forcément à aller acheter l’item sur le site du groupe ou au moins à forwarder ce lien youtube à vos collègues, ou à votre maman.

2011 fut décisive dans le changement: outre l’arrivée en fanfare de Martyn, petit seigneur de la bass music européenne, on a adoré les sorties violemment singulières du petit génie Thundercat (le bassiste de Suicidal Tendencies, les gars) et de Matthewdavid, boss de l’excellent Leaving Records (qui a fait découvrir Julia Holter au monde).

Histoire de fêter l’award de “meilleur label” aux Worldwide Awards de Gilles “sept millions de miles sur British Airways” Peterson (vous en avez jamais entendu parler? nous non plus), le label propose une petite séance de rattrapage gratos avec un sampler malin, plein de morceaux tombés des sorties de l’année passée (Teebs, Tokimonsta, Samiyam…) voire de celle d’avant (Gaslamp Killer & Gonja Sufi, Austin Peralta).

Tout n’est pas à tomber, bien sûr (le morceau de Taylor McFerrin, fils de, hum, Bobby, nous rappelle cette époque terrible où 8 disques sur 10 dans le bac “electro” de la FNAC Ternes étaient des albums de trip hop chantés par des Björk en carton), mais ça vaut le coup. Et c’est à prendre ici.

Découvert via un joli petit maxi sur Merok, danseuse du gars de The Big Pink, ce duo de mignons minets formés aux Beaux-arts d’Oberlin, Ohio, basés à Brooklyn et momentanément passés par la cas Berliiiiiin a gravi les échelons de la post-gloire post-internet à une vitesse délirante. Pour peu, on ne serait pas si surpris de les voir débarquer à la prochaine Winter Conference de Miami, ce raout de la house pouet pouet généralement réservé aux remixeurs de Mariah Carey.

Leur crédo musical n’a pourtant pas grand chose à voir avec celui de Junior Vasquez. Sorte de post techno alanguie, charnue et statique bricolée en temps réel avec des petites machines modernes, elle nous ferait presque penser aux plateaux extatiques du Suédois The Field (dont soit dit en passant on vous parle en long, en large et en images lundi prochain), un vrai feeling early early house en plus. Rien ne prédisposait bien sûr Sam Haar et Zach Steinman à sortir du bois hipster noise, cette forêt touffue autour du château Wolf Eyes qui accouche autant de gens absolument passionnants – Prurient ou Sun Araw – que d’inanités têtes à claques – Prince Rama et la moitié du catalogue Not Not Fun. Mais les voies de la musique de l’ère digitale sont décidément impénétrables et il a suffit à Blondes d’un disque et d’un traumatisme - le fameux E2-E4 de Manuel Göttsching – pour voir la lumière.

Grand bien leur en a pris, la série de maxis gentiment conceptuels (titres par paires binaires, pochettes génériques) qui a égrené leur ascension jusqu’à ce premier album éponyme (en fait, une anthologie augmentée des dits maxis) a de la gouaille et de la gueule. On vous laisse écouter et, éventuellement, décider par vous-même la date de crevaison de la baudruche. Mais nous, on aime vraiment bien.

En bonus, un extrait de l’album de remixes vendu en bundle avec les originaux, signés Teengirl Fantasy.

Liturgy, quatre têtes blondes originaires de Brooklyn éprises il y a trois ans d’une grasse envie de s’attaquer au sujet Black Metal. On conserve en partie le decorum (pochette de disque anti-cléricale, patronyme cryptique, rythme à la quadruble croche…), mais on écarte les symboles éculés du genre (pentagrammes, chevelures secrètement entretenues au mixa bébé, gloire aux rites païens, exaltation du matos, et tablatures disponibles dans Guitar Part).

Le résultat: un premier EP en 2008, Immortal Life (faut pas déconner non plus), et deux albums, Renihilation en 2009, et Aesthethica l’an dernier, qui s’est frayé un chemin dans le catalogue de Thrill Jockey, petit empire post-rock et indie par extension de Chicago. Magnéto Serge.

Son label Underground Quality a ainsi beau mordre la poussière comme les autres (il vient de passer en auto-distribution), la petite scène qu’il a contribué à faire émerger (les super classes DJ Qu/Black Jazz Consortium, Anton Zap, sa femme Jenifa Mayanja, Levon Vincent – qui vient d’annoncer qu’il s’occupait du prochain Fabric Live – et la désormais fameuse Nina Kraviz) est trop vivace pour qu’il retourne encore une fois au au silence.

Dans la foulée de son excellent Vision Dance, sorti en catimini sur l’impeccable label japonais Mule Musiq l’an passé, il livre un mix pour Little White Earbuds presque intégralement composé de ses propres morceaux, pour la plupart extraits de la compilation qu’il vient de sortir en hommage à feu Tape, le club berlinois qui était sa deuxième maison. On a jamais mis les pieds là-bas, mais on vous garantit que ce mix est la meilleure musique de fond que vous pourrez vous caler sur les oreilles cet après-midi.

Monts et merveilles de la noise japonaise. Comme un paquet de mélomanes affamés, on est arrivés au pays du soleil levant au coeur des 90s par la folle scène alternative du Kansai plutôt que par les mangas et la j-pop dégueulasse d’Ayumi Hamasaki. Parce que, de Hijokaidan à Afrirampo, ça a toujours été la plus idiosyncratique, la plus extrême, la plus colorée de toutes les scènes alternatives du monde, ça nous a changés (en même temps qu’un paquet d’autres) à jamais. Mais si on a d’abord été attirés par le volume, les pochettes bizarres et les jolis minois, on est restés pour la beauté  de plus en plus cruciale de la musique.

Les milles et une transfigurations de la bande Boredoms, en premier, suffiraient à nous nourrir pour une vie entière. Quantitativement, d’abord, puisqu’en entre la discographie exhaustive du groupe et celle de la galaxie des projets parallèles de ses membres (on a tenté une ébauche de liste, elle fait vraiment mal aux yeux), on remplit sans souci deux grandes bibliothèques Billy (avec le surmeuble);  qualitativement, ensuite, parce que le Continent qu’ils forment ensemble est parmi les plus vastes, les plus accidentés et les plus beaux de la musique moderne.

Deuxième membre la plus éminente du collectif, Yoshimi “P-We” Yokata est un pays gigantesque à elle toute seule. Inséparable du leader Yamatsuka Eye depuis le jour où elle a rejoint UFO or DIE, elle a marqué au fer rouge un nombre incalculables d’items discographiques de son jeu de batterie cataclysmique, et traumatisé au moins mille fois plus de gens bien de sa voix d’outretemps (dont Matt Groening, papa des Simpsons ou Wayne Coyne des Flaming Lips, qui a tiré un album entier de sa compréhensible fixette). On l’a aimé en lutin dada dans les Boredoms époque Lollapalooza, en no-waveuse très sérieuse dans Free Kitten, en singe hurleur dans ses disques solo sous le nom de Yoshimio ou en Esprit de la montagne avec Psychobaba, Olaibi ou avec Yuka de Cibo Matto. Et on la suit quoi qu’elle tente depuis plus de 20 ans.

Véritable pays dans le pays, OOIOO est loin d’être un side-project parmi tant d’autres dans la carrière de cette impératrice noise. Formé en 1998 avec trois amies sans aucune expérience de la musique, le groupe a grossi au fur et à mesure des années (et des changements de line-up) jusqu’à devenir un véritable conglomérat psyché prog au féminin, presque autant connu à l’étranger que les Boredoms.

Musicalement, surtout, le groupe a rapidement quitté le giron post Boredoms des premiers albums: si l’ombre psychotrope de Eye plane toujours au dessus de sa vieille camarade, l’inceste s’opère désormais sous forme de remixes en famille: Yoshimi a grandi, et OOIOO a pris le large pour devenir une tribu à part entière, avec sa propre langue et ses propres traditions.

Tranchante comme l’onomatopée qui lui sert de nom, la musique du groupe est à la fois psychédélique et hyper précise, volontairement apatride et typiquement japonaise. La tête pleine de légendes et de bruits d’oiseaux, Yoshimi, Kayan, Aya et Ai récupèrent sans passer par la case citation un arc-en-ciel de particularismes ethniques sans jamais tremper, bien sûr, dans les marécages ignominieux de la world music. Les entrelacement de guitares typiques des sous-genres de la musique moderne africaine dont un certain indie rock chic se repaît depuis quelques temps (highlife du Ghana, rhumba congolaise, pop éthiopienne) conjuguent éruptions synthétiques ou polyphonies hirsutes des ethnies disséminées partout autour de l’archipel du Japon, et c’est le coeur du post-punk, du krautrock ou du prog façon Rock in Opposition qui se remet à battre sur des cadences inédites en même temps que celui des cultures minoritaires japonaises (Ainous d’Hokkaido ou peuplades de l’archipel Ryûkyû), ostracisées depuis une éternité. En live, c’est une effusion un brin technique, mais d’un originalité folle, qui ressemble presque à une version 2.0 enfin accouchée de l’increvable démon psyché rock; trois mois après le passage du quatuor à la Villette Sonique, on lévite encore. Suivez la Gourou.

En parachutant les Bisounours dans un jeu d’arcade des 80′s, les Grenoblois à l’état civil superlol Mad Marx et Eddy Mitchum aka Câlin, avaient inauguré en 2009 la nouvelle partie qu’ils jouent en parallèle de leur groupe Rien. On peut toujours télécharger le premier EP “Sûrement pas de la harpe” pour se préparer à découvrir  le second niveau qu’ils passeront le 21 novembre grâce à leur album, toujours sans harpe.

Sur leur bio complètement barrée, mode d’emploi indispensable pour comprendre le concept de leur disque qui s’appellera Black Chinese II, on apprend qu’ils composent la B.O. d’un film virtuel qu’un réalisateur leur aurait commandé alors qu’ils étaient game-over dans une gare. Sous leurs nouveaux pseudos Yugo Solo et Françis Fruits, ils essaient donc aux manettes de leurs synthés analogiques de vaincre l’existence d’un ennemi portant le nom de Techno Tom et de son armée de cyborgs.

Assumant leurs références allant de Carpenter et Moroder, ils semblent pourtant prôner moins qu’eux la décapitation et sont plutôt tout amour avec leurs machines sur le premier extrait de l’album, Le Club de la Destinée, avec Nick Read du groupe de Chicago Lazer Crystal qui joue en p’luche avec eux. Le titre est en téléchargement gratuit sur leur bandcamp ou en écoute ci-dessous.

A deux mois des élections russes, les actions pour la liberté se multiplient, prenant des formes parfois inattendues.

Les plus assidus de The Drone suivent les frasques des ultra-arty, et ultra-hardcore Voïna qui rappelez-vous, faisait péter un camion de prisonniers à Saint-Pétersbourg pour fêter noël, ou encore des punkettes arrétées la semaine dernière pour avoir eu l’audace de chanter un petit bout de refrain sur l’actuel Premier Ministre et sans doute futur Président se pissant dessus.

Tous, rassurez-vous, ont droit au même traitement de faveur: prison, et pour les récidivistes, assignation à résidence, retrait des papiers… Pour Monsieur patate et Teddybear, procureur n’a pas encore statué sur leur sort, mais enquête encore sur la l’illégalité présumée d’un tel événement. A suivre donc.

Via Le Guardian.

En attendant la sortie du nouvel album chez Sacred Bones le 6 mars, le groupe de Brooklyn a uploadé sur mediafire (Kim, si tu nous regarde) l’intégralité de leurs sorties aujourd’hui épuisées, à l’époque où ils étaient pauvres, sales et mal habillés.

Les gars de Self-Titled Mag se sont gentiment cassé la dinette à tout télécharger pour ensuite vous le servir sur un beau player Soundcloud, grâce auquel vous pouvez écouter les morceaux en cliquant sur des boutons. Un truc de dingue.

Et tout ça gratuit. Tout ça c’est l’internet. Tout ça c’est le monde de demain, c’est The Men, l’homme, l’espoir, la gratuité, le rock’n'roll, le lundi, les guitares abrasives, les playlists, le grand monde virtuel du partage de la musique sur fond de crise monétaire internationale! Elle est pas belle la vie? Hein? Hein?

Le groupe russe Pussy Riot, auto-proclamé “punk feministe” a enfilé cagoules et mini jupes pour interpréter devant le Kremlin une protest song au titre évocateur: Poutine s’est pissé dessus.

Alors, pourquoi foireux? Et bien disons que malgré une bonne volonté permettant de braver un froid de canard dans des tenues légères, un cruel manque de sono et de passants crée un fort moment de solitude pour ce collectif qui s’était déjà illustré en donnant un concert sur le toit d’un immeuble proche du commissariat où était détenu le bloggueur anti-corruption Alexeï Navalny.

On passe sur la qualité musicale du concert mais le ressort comique de la situation tient surtout dans l’arrestation des 8 punkettes, aussi brouillonne que la prestation.

Comme on peut le voir sur la vidéo, une seule et unique voiture de police est présente. Le groupe s’époumone à n’en plus pouvoir, comme si elles criaient en vain leur envie de se faire coffrer, dans une indifférence assez palpable.

Malheureusement, personne n’a eu l’idée de filmer l’arrestation, racontée ici par une des membres du groupe:

“On a commencé à jouer, et la voiture de police s’est approchée. Deux flics sont sortis de la caisse en gueulant dans leur radio “A toutes les unités! A toutes les unités!”. Ils ont essayé de grimper les barrières pour nous attrapper. Mais ils étaient tellement gros et leurs uniformes si pourris qu’ils n’y arrivaient pas. Ils ont ensuite essayé de crocheter le cadenas du portail mais il était complètement gelé par le froid. Ils ont ensuite essayé en vain de le réchauffer avec un briquet. On s’est mises à rejouer le morceau lorsque la Ford des services secrets est arrivée et on s’est faites coffrer.”

Les Pussy Riot ont tout de même écopé  de 15 jours de prison ferme.

Comme d’hab’, on ne capte pas vraiment où ils veulent en venir, mais comme à chaque fois, ils nous font aussi pas mal rigoler (les amateurs se rappellent peut être d’un improbable passage Cucaracha dans leur mortel Magia Potagia de 2005):

“Wormhole Shubz constitue un nouveau pas en avant dans la recherche/la frénésie audio que Stephen Sharp et Roc Jiménez de Cisneros appellent la Rave Synthesis – une deconstruction des icônes de la rave culture à travers diverses stratégies compositionnelles“.

Cette fois-ci, les deux geeks ont eu l’idée cheloue de limiter leur matière sonore à un seul son emblématique d’une série de synthés légendaires, le preset “What the?” des Juno Alpha de Roland aussi bien connu chez les gobeurs du vendredi soir sous le nom de “Hoover Sound“. Fatalement, ils en extirpent un enfer sonore bien pire et bien plus intense que les pires moments des 456 volumes des compilations Thunderdome.

Ah oui, notez au passage que selon Urban Dictionary,  ”Shubz” est un mot-valise qui compacte “shit” et “tub” et qui signifie “caca accidentel dans la baignoire“.

On réalise aujourd’hui avec la sortie d’un deuxième volet, que la session a duré plus d’un morceau. Postée hier sur la page YouTube de BBNG, c’est au tour d’Orange Juice de passer à la moulinette.