indie

Ryan Power, c'est ce genre de mec qui fait ses petites affaires dans son coin et dont on découvre généralement le boulot par le côté, sur la foi d'un lien envoyé par un ami ou un collègue estimé. Zonant discrètement dans la marge de la marge de l'indie post-internet (les gens autour de lui s'appellent Blanche Blanche Blanche, Happy Jawbone Family Band, Chris Weisman), ce vrai barbu-poilu de Burlington, Vermont enregistre façon R. Steevie Moore, au pied du pieu et sans se soucier de construire une carrière ou d'égaler en patate les derniers Phoenix ou Strokes.

Et le moins qu'on puisse dire, c'est que ses chansons collent parfaitement à son habitus: labyrinthiques, acrobatiques, gonflées à bloc de références, elles prolongent et exagèrent en gros tout ce que la pop music a commis de nerd et de compliqué depuis 40 ans. Dans les interviews, le garçon cite Scritti Politti ou Prefab Sprout; dans "The Prize" ou les chansons dingues de son précédent I Don't Want To Die, on entend aussi la smooth pop de laboratoire de Steely Dan, les explorations électroniques détendues du slip de la library music européenne, les merveilles arty de la pop brésilienne des 70s - le tout démultiplié au carré par une méchante tendance à l'hyperactivité. Structures en escalier, cascades harmoniques, choeurs contrapuntiques de psychopathe, Ryan Power complique tellement la donne qu'il est plus écouté par les fans de noise que par les gens qui aiment Sufjan Stevens.

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On savait John Dwyer et sa bande formidablement prolifiques pour les albums et les chansons (en moyenne une nouvelle collection tous les 7 mois depuis 3 ans), on les découvre depuis peu pourvoyeurs intarissables d'images pour aller avec.

Quelques semaines après la superproduction "Minotaur" (23€ rien que pour les costumes, dit la légende), ils font de nouveau appel à leur pote John Strong (qui leur avait bricolé une petite virée joliment photographiée dans un club de strip pour le "Lupine Dominus" du précédent Putrifiers II) pour mettre en images le heavy et guilleret "Toe Cutter/ Thumb Buster".

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L'autre jour, en browsant les crédits du premier album de Charli XCX sur sa page wiki (me demandez-pas pourquoi, lisez plutôt ça), j'ai été très surpris de trouver le nom de Gold Panda dans les producteurs de ce machin:



La jeune garde électronique qui se trouve sollicitée par la jeune génération de néo-monstres MTV, ça a le goût de l'ordre des choses, c'est vieux comme la pop et ça ne devrait surprendre personne. Mais comme pour Tokimonsta qui tourne avec Diplo et Skrillex et qui signe sur "le label emblème de de la grosse EDM qui tâche" (je m'autocite), le raccord entre le réel criard et dur à déchiffrer de la bubblegum pop contemporaine et l'indie electronica kaléïdoscopique née à la conjonction de J Dilla et Slowdive a quelque chose du paradoxe spatiotemporel. IRL, à une autre époque, les kids adeptes de Charli XCX et les rêveurs fans de Gold Panda se seraient méchamment mis sur la gueule.

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Quand on a tapé le bout de gras avec lui en novembre dernier, Ty Segall lançait un pari à la postérité:  50,000 dollars sur la table que d'ici une quinzaine d'années, John Dwyer sera considéré par les rock érudits du futur  comme le Roky Erickson des années 2000-2010. Traînant un peu les pieds quelques mètres derrière le cortège des fanatiques hardcore de Thee Oh Sees, on reste sûr que le kid a raison, pour tout un tas de raisons. Car en ces temps mornes où la carrière d'un nouveau groupe est généralement pliée entre le deuxième et troisième album, la formule "longévité + liberté + super productivité =  qualité", appliquée par Dwyer et sa bande comme un apostolat, tient d'autant plus du miracle qu'elle porte ses fruits: plus le groupe tourne et produit, moins il saoule et plus il tient ses promesses.

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Dope Body, c'est ce petit groupe de hardcore MOR sympa qu'on avait pris un peu par-dessus la jambe à la sortie de son Natural History, en juin dernier; pas d'humeur à se laisser gagner par l'excitation, on avait pris note de l'énergie disons, colorée du quatuor de Baltimore mais aussi fait un peu la fine bouche devant sa propension à singer ses aînés, Fugazi, The Jesus Lizard, The Germs et, plus improbablement, The Clash (certes pas le groupe le plus singé ces 10 dernières années, c'est à saluer).

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"Why They Hide The Bodies Under My Garage" est l'un des morceaux les plus marquants de la dance music britannique récente. Sorte de zénith de la méthode Blawan, on y retrouve toutes les choses plus ou moins merveilleuses qui l'ont fait décoller du tout venant post-dubstep (kick macho man, caisses claires en acier trempé, modulations ivres), augmentées de hurlements flippants et d'une étrange rengaine ésotérique qui l'envoient par-delà les nuages de la pop et de l'arty. Inquiétant tout du long, le maxi His He She & She est arrivé à peu près au moment où Karenn, duo ouvertement dark et techno qu'il forme avec Pariah, prenait du galon dans les médias et marque une sorte de deuxième moment zéro dans sa carrière. Bref, si la musique électronique des années 2010 accède un jour à la postérité, ce morceau sans aucun doute adoubé, décortiqué, réédité, compilé et remasterisé comme un classique.

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Quand on a rencontré Suuns il y a un an à l'occasion de leur premier album, on avait pas mal percuté sur un truc: leur infatuation somme toute singulière pour la musique de Plastikman. Pas que le quatuor canadien soit le premier à revendiquer l'influence de la techno (un jour, on fera un livre noir de tous les groupes pourraves qui ont cité "Aphex Twin" au moins une fois dans une interview), non, le plus étonnant c'est que chez eux, ça s'entend. Les délateurs du groupe citent plutôt l'énième placage de plans krautrock ou les singeries embarassantes de Radiohead, ils n'ont pas tort non plus et pourtant: le groupe nous intéresse au moins par sa manière très singulière d'envisager le bruit et la monotonalité et quelque chose dans leur deuxième Images du Futur (titre en français dans le texte) nous dit qu'on avait pas tort.

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Rappelez-vous 2004, 2005, Brooklyn en haut de l'affiche, les piles de Casio dégueulasses à la place des guitares, Animal Collective qui fait rêver jusqu'aux plus intransigeants des harsh noiseux des capitales autour du monde. Et puis Black Dice, groupe dada, groupe noise fringué en fluo tellement hypé par deux, trois leaders d'opinion du rock (suivez mon regard), qui intrigue jusqu'au public des Strokes et des Yeah Yeah Yeahs. Huit ans plus tard, on est un peu perdu et on pleure souvent, dans ces pages y compris, l'éclectisme  forcené qui mine toutes les scènes, de l'indie rock qui se pare de disco funk jusqu'à la techno qui vrombit de bruit. Mais à chaque fois que Black Dice ressort un disque, on frémit devant tant d'intelligence du chaos, de prescience surdouée de l'idiotie, de singularité plastique. Il y a du Paul McCarthy chez ces gens-là.

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Pas grand chose à vous dire sur le nouveau clip de l'indie wonder kid canadien préféré de tous les contacts féminins twitter de The Drone, à part qu'il est très cool et que:

- c'est effectivement un natural born entertainer qui brille bien sous tous les angles et tous les types de lumière;

- le moment plus le plus rigolo arrive à 0.38, quand il sort d'un coffre de toit de voiture; 

- avec sa grosse bouche de tortue et sa belle perruque poudrée, on se dit qu'il aurait vraiment pété la baraque dans un clip des Army of Lovers.

Pour le reste, une fois n'est pas coutume on ne joue pas les buzz killers, on vous laisser mater le clip en paix.

Et on met un petit coup de pied sympa dans le tibia pour vous rappeler qu'on a interviewé et filmé le garçon il y a quelques semaines pour en faire une jolie petite vidéo pour la postérité.

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On lui a tout fait, au prof de pilates, cette année: le coup de pied dans le tibia, le câlin pour se faire pardonner, le coup de casserole en fonte derrière le crâne pour le terminer. De son côté, il n'a jamais autant cherché la merde, et que celui qui peut nous justifier sa version de "Jingle Bells" en treizième plage de sa dernière purge de Noël en plus d'une phrase avec des borborygmes dedans s'exprime ici (lâche tes comz!) ou se taise à jamais.

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