Eux-mêmes logés dans une ancienne usine de textile crasseuse, Nik Void, Gabe Gurnsley et Dominic Butler voient l’industrialisation comme un principe fondateur du processus créatif. La répétition des mouvements, l’idée de productivité comme moteur plutôt que l’attente stérile de l’inspiration, la machine à la place de l’homme, l’homme au service des machines. Ces concepts déjà explorés jadis par Kraftwerk, Cabaret Voltaire ou Throbbing Gristle (ci-dessous) trouvent une résonance des plus pertinentes dans le monde actuel.

Factory Floor aurait pu être un groupe de rock, ou pire, un groupe d’indie rock. Seulement voilà, ils sont issus d’une génération qui a grandi avec la techno de Detroit d’Underground Resistance. Une musique sans compromis ou la notion de danse n’est pas liée à un bonheur niais, mais à ce qu’ils définissent comme “escapism”, une évasion mentale par la musique. Une façon de se tuer sur un dance floor pour échapper à l’oppression de la ville.

Tous trois natifs de petites villes anglaises sans prestige et issus d’école d’arts comme beaucoup de terroristes sonores qui les ont précédés, Factory Floor s’est offert les services de Stepehen Morris, la boite à ryhtme humaine derrière les fûts de Joy Division et New Order. Ils portent également sur eux la bénédiction de Chris & Cosey et l’ami Mark Stewart, leader du défunt Pop Group, trémousse volontiers son popotin sur leur maxi R E A L L O V E, comme le prouve cette vidéo sans intérêt mais lourde de sens.

Lourde de sens car la scène post punk froide et intellectuelle du début des années 80 en angleterre (la période musicale la plus interessante de ce bled grâce à TG, Wire, The Fall, Joy Division…) a peut-être enfin trouvé des héritiers, qui pour une fois ne se sont pas vautrés dans un revival décérébré mais ont simplement compris le passé pour l’adapter à leur époque. Les membres de Factory Floor sont d’ailleurs les premiers étonnés à ne pas entendre plus de groupes de leur génération s’inspirer de la techno glaciale de Scan 7 (ci-contre), Dopplereffekt ou Model 500, ce qui aurait finalement plus de sens que de s’inspirer d’une vieillerie dégoulinante de guitares.

Après 6 EPs, des remixes par Optimo, Gavin Russom, Angus Andrew de Liars et un dernier maxi sorti chez DFA, on attend toujours l’album de Factory Floor pour confirmer ou non si la petite révolution industrielle est en marche.

Le groupe s’est formé suite à une rencontre fortuite entre un songwriter américain et une Anglaise à la voix cristalline, Tessa Murray, à la station de métro London Bridge. Rien de bien scandaleux ou palpitant à raconter de plus sur ce groupe, le titre Into The Trees est d’ailleurs aussi simple que leur bio : une petite bluette indie pop inoffensive qui décrochera un sourire rêveur aux nostalgiques de Lush et Stereolab, mais c’est déjà pas mal. Le clip est lui réalisé par Ollie Murray, aussi auteur de la vidéo pour  Still Life de The Horrors pour laquelle il avait déjà utilisé des effets de pellicule cramée à l’effet hipstmatic assuré ainsi qu’un gros casting de nuages qu’il semble avoir recyclés ici.

La paralysie du sommeil se manifeste quand, alors que vous n’êtes pas loin de sombrer dans les bras de Morphée, vous vous retrouvez immobilisés et conscients, privés de tout tonus musculaire. On a aussi faillit rester un peu bloqués comme ça en écoutant ce Gabriel Bruce, avec sa voix de baryton hyper dramatique qui ferait de lui un compagnon tout trouvé pour Lana Del Rey.

Avec sa gueule d’ange, et la noirceur de ses claviers, il pourrait provoquer en 2012 les mêmes passions que James Blake, mais à une différence près : lui semble avoir de vraies chansons en stock. Sleep Paralysis sortira en 7″ le 5 décembre, accompagné d’un petit manuel de la paralysie du sommeil orchestré par le collectif arty Off Modern. Le clip est réalisé par l’Indonésien Ferry Gouw, qui depuis qu’il a intégré l’école d’art londonienne Central Saint Martins, enchaîne les clips pour The XX, Matthew Dear et Crystal Fighters.

Tuyautés par leur producteur Stephen Morris (batteur de Joy Division et New Order) pour faire marcher leur usine post-industrielle à plein tubes, leur traitement électronique futuriste les élève au-dessus du dancefloor poussiéreux de la Factory mancunienne.

Avec des thématiques telles que “l’introduction des musiques d’avant-garde dans la culture populaire via les productions de la Hammer dans les 50′s” ou les travaux de Bernard Hermann (sur Psychose, notamment), la discussion devrait voler assez haut. Bien évidemment, un nom sera, plus que tous les autres, mis à l’honneur: celui du génial John Carpenter. Si le réalisateur et compositeur culte d’Assault On Precint 13, Halloween et Escape From NY ne sera pas de la partie, Sound of Fear a tout de même trouvé le moyen de le convoquer à la fête en réalisant une petite – mais passionnante – interview.

Et histoire de ne pas faire les choses à moitié, le festival n’a pas commissionné le dernier des tâcherons pour assurer les questions, puisque c’est le révéré Simon Reynolds, auteur de la bible post-punk Rip It Up and Start Again, qui s’y est collé. Bien qu’il soit dramatiquement court, l’entretien donne tout de même pas mal de biscuit aux nombreux fans du grand maître.

On y apprend notamment que les deux principaux films à l’avoir influencé, tant du point de vue purement cinématographique que de celui de la musique, sont The Day The Earth Stood Still de Robert Wise (et non pas l’abominable remake de 2008 avec Keanu Reeves) et Forbidden Planet de Fred M.Wilcox.

Si vous n’avez jamais poussé la curiosité jusqu’à jeter un oeil à ces deux chefs-d’oeuvre de la Sci-Fi, on ne saurait que trop vous conseiller de prendre sur votre temps de sommeil pour rattraper le coup. Vous ne serez pas déçus.

Pour l’interview de Carpenter, c’est juste après:

Ainsi donc, l’opportunité d’en savoir un peu plus sur la maison-mère de The Fall, Cabaret Voltaire, Delta 5, The Raincoats et bien d’autres, sonne comme une chance à saisir. D’autant plus qu’une fois encore, c’est la mighty BBC4 qui est aux commandes de l’excellent documentaire Do It Yourself: The Story of Rough Trade.

Diffusé à l’origine en 2009, le film était devenu introuvable sur la Toile, jusqu’à ce qu’une bonne âme se décide à le remettre en ligne, la nuit passée. En 88 minutes, le docu a le mérite de faire un tour assez complet de l’histoire du label, extension du culte magasin londonien, devenue création indépendante sous la férule de Geoff Travis, bientôt rejoint par l’ex-PIL Jeannette Lee.

Des belles heures post-punk des 80′s jusqu’à la banqueroute des 90′s, puis le retour à l’aube des années 2000, le film suit les traces d’une maison qui, si elle ne fut pas toujours indépendante au sens le plus strict du terme, demeure un foutu réservoir de belles choses.

C’est à voir ci-dessous:

Disséquer le nom des groupes n’est pas vraiment dans nos habitudes, mais, pour le coup, on va faire une exception. En effet, S.C.U.M. tire le sien du SCUM Manifesto de Valérie Solanas, l’über-féministe qui considéraient les hommes comme une “erreur biologique” et souhaitait donc les émasculer, d’où le titre de sa petite organisation: SCUM, pour Society for Cutting Up Men… Cette sympathique extrémiste est tout particulièrement célèbre depuis qu’elle décida de vider le chargeur de son 9mm sur Andy Warhol le 3 juin 1968, coup d’éclat qui lui fit faire la tournée des asiles psys US jusqu’à sa mort, en 1988.

Bon, en ce qui nous concerne, la filiation s’arrête là, les quatre garçons et la jeune fille composant S.C.U.M. ayant l’air d’être plus porté sur l’acide et les pédales fuzz que sur la misandrie. Mais l’anecdote vaut le coup.

Pour le reste, c’est à découvrir ci-dessous, et à télécharger ici.

UPDATE: Les meilleures choses ont une fin, l’écoute est désormais terminée !

Non, non, rien n’a changé, et Seefeel a continué. Quinze ans après son dernier album – (CH-VOX), paru à l’époque chez Rephlex -, le groupe londonien fait son come-back, chez Warp, où il avait sorti une grosse poignée d’EPs et un LP (Succour) au milieu des années 90, et où son retour s’était amorcé, l’an passé, avec le quatre-titres Faults.

Ce nouveau disque, éponyme, aura le mérite de ne pas décontenancer les fans du “premier groupe à guitares signé chez Warp“, dixit Steve Beckett, le boss du label de Sheffield. Mêlant toujours ambiant, glitches et nappes de guitares shoegaze, Seefeel durcit cependant un peu le ton, dopé sans doute par l’arrivée dans ses rangs d’un ex-Boredoms (E-Da, batteur de son état) et de DJ Scotch Egg, alias Shigeru Ishihara, producteur de cheaptune japonais, découvert par Lightning Bolt, ce qui laisse présager de son potentiel bruitiste.

Et du bruit, justement, ce Seefeel en est plein, sans cependant virer à la noise brute. Disons, pour la faire courte et éviter de sombrer dans les qualificatifs qui, de toutes façons, satureront les chroniques consacrées au disque, qu’on y trouve un peu plus d’épaisseur, de textures qui rendent l’ensemble parfois exigeant, mais toujours passionnant.

Le groupe vous offre la seconde track du disque, Dead Guitars, à télécharger gracieusement ici-même.

Ça fait quelques années maintenant que de part et d’autre de l’Atlantique des producteurs comme Flying Lotus ou Fuck Buttons, ont réussi à faire sortir de son ghetto d’initiés les expérimentations électro bruitistes, en fricotant très souvent avec une esthétique psyché foutraque.

A Londres le jeune duo Drugg (Tom Hanley et Max Whatley), a bien compris la formule, et même s’ils citent en référence pour se faire mousser Philip Glass et Steve Reich, leur premier EP, Shackled relève plus de cette fusion électro-noise chantée façon Panda Bear qu’à un disque de musique concrète.

Sortie prévu le 7 mars prochain, chez Less Music.

Collage directement ressorti de la glorieuse production TV british des 70′s, The Kinks at The Rainbow est à la fois un live et une mine d’archives. Entre les différents titres joués sur scène par les Kinks – tirés, pour leur part, de la série In Concert de la BBC et filmés au légendaire Rainbow Theatre de Londres, d’où le nom du film -, on retrouve des interviews, une visite guidée des quartiers londoniens en friche par Ray Davies et même des extraits de The Virgin Soldiers, comédie sur la guerre pour laquelle les Kinks avaient composé quelques titres en 1969.

Si l’on est en droit de préférer The Kinks des tout débuts, plus hargneux, sans doute, que la grosse mécanique qu’il est devenu à l’époque du film (début 1972, soit entre Muswell Hillbillies et Everybody’s in Showbiz), la qualité de sa prestation live reste indéniable, notamment parce qu’on y retrouve You Really Got Me et Waterloo Sunset, ce qui fait toujours plaisir, avouons-le.

Un peu déstabilisant dans sa forme – le côté saut-de-puce permanent -, The Kinks at The Rainbow reste tout de même très plaisant, et foutrement intéressant.

C’est à voir en intégralité ci-dessous:

En effet, vendredi 4 mars, les “bonhommes fils de fer” (car c’est ce que le nom Bo Ningen signifie) seront en concert. Une nouvelle fois, le Drone va faire preuve de générosité et vous propose d’y aller gratuitement. Pour ce faire, c’est comme d’habitude: soyez parmi les premiers à envoyer un mail (avec votre nom et prénom) à everybody@the-drone.com, et vous remporterez le précieux sésame.

Bo Ningen n’est d’ailleurs pas le seul groupe que vous pourrez croiser sur la scène de Mains d’Oeuvres le jour-J. Kill For Total Peace, jeune garde psyché de l’auguste label parisien Pan European (dont nous vous recommandons chaudement la toute dernière compil), sera également présent, tout comme Decibelles, trio féminin lyonnais – ou lyonnais féminin, c’est comme on veut.

Pour ceux qui arriveront malheureusement trop tard pour le concours, les tickets sont en vente par ici.

Difficile de dire grand chose sur le groupe, si ce n’est qu’il serait officiellement composé de Roy Blunt et d’Inga Copeland, qui partagent leurs vies entre Londres et Berlin et pourraient bien n’être que les visages de l’ensemble, qui serait piloté par une éminence grise auteure de toutes les productions. Allez savoir ce qui est vrai, pour tout dire on s’en moque un peu.

Musicalement, en tout cas, Hype Williams reste étonnant, et son gros mélange d’electronica et de pop lo-fi un peu déconcertant a suffisamment fait parler de lui pour que nos pointus collègues de Fact lui commande un podcast. On vous laisse vous faire votre propre opinion en écoutant/téléchargeant (ici) Businessline, extrait du prochain album One Nation, prévu pour le 15 mars prochain.

Enjoy.

Comme à l’accoutumée, cette petite révolution putassière vient de l’intérieur, et est opérée dans le cas présent par Benga aka Adegbenga Adejumo, Skream aka Oliver Dene Jones et Artwork, et prend le nom de Magnetic Man.

En général, ce genre d’opération mène à deux types de résultat:

- un disque trop sucré, vidé de sa moelle parce que trop déconnecté de la réalité;

- un disque que le monde entier découvre, au risque que certains fans de la première heure le délaissent.

Dans le cas de Magnetic Man, je parierais le serveur de The Drone qu’on est à mi-chemin entre les deux. Cette dream team du dubstep connaît trop bien les riddims du genre (pour les avoir en partie inventé) pour pondre un croute absolue, mais signe néanmoins sur ce premier double-album une série de featurings (Katy B, Ms Dynamite, John Legend…) plutôt moches.

Ce n’est pas pour autant que le disque est bon à mettre à la remise. Sur les 13 titres du disque1, une bonne moitié, dont les trois en écoute ci-dessous, reste clairement dans la trempe de leurs productions respectives, bien grasses comme une dinde de Noël.

Le pitch laisse perplexe et mériterait, à l’instar des compilations de leurs cousins de Souljazz, un peu d’explications histoire de mettre d’ordre dans ce gloubi boulga transcontinental. On salue néanmoins la sélection ici en écoute.

On y croise pêle-mêle: Mary Ann Hobbs (djette qui popularisa ce style sur BBC Radio 1 entre 2006 et 2010), Kode9 (boss du label Hyperdub), Skream et Benga (qui forment actuellement Magnetic Man avec Artwork).

La parole est donc à ceux qui ont fait et font le dubstep.

L’histoire débute à Croydon (Londres), terre d’origine du dubstep, où il serait né il y a une dizaine d’années. Dans ce district sud de la capitale se trouvaient le disquaire Big Apple et le label Big Apple Recorging, qui diffusèrent les premières productions de Skream, Benga, Loefah et Coki.

On y parle évidemment aussi des soirées FWD>> (ForWarD), au club Plastic People, à Shoredich (un quartier de Londres), qui furent un véritable tremplin pour Kode9 et ses pairs.

Bassweight nous emmène à travers l’Europe, le Brésil et le Japon pour illustrer le développement fulgurant du genre. Un retour aux sources s’imposait car aujourd’hui le dubstep est souvent  galvaudé et a engendré une série de tocards trop heureux de pouvoir vendre sous cette étiquette.

Le DVD est produit par The SRK. Ce studio londonien, fondé en 2006, s’est fait connaitre par ses documentaires sur les graffitis au Japon (Rackgaki) et à travers l’Asie (Graffiti Asia), et par une plongée dans la culture hip-hop japonaise (Scratching the Surface).

Pour commander le DVD, c’est ici

C’est à ces inventeurs en vestes de tweed que rend hommage “What the future sounded like”.

Ce mini-docu, réalisé par Matthew Bate en 2008, est aujourd’hui visible en ligne, dans son intégralité.

On y suit les aventures du trio fondateur d’EMS – pour Electronic Music Studio -, qui, dans le Londres d’après-guerre, customisa des machines militaires déclassées pour en tirer des modulations synthétiques.

Ses inventions – le Synthi A et le VCS3 (ci-contre) – sont rapidement devenus des références en la matière, sur lesquelles se sont jetés Kraftwerk, Brian Eno, Pink Floyd, Hawkwind ou Tangerine Dream.

Une jolie – et, avantage, plutôt rapide – leçon d’histoire, racontée par ses acteurs principaux.

On pouvait être tenté de s’interroger sur la pertinence des tenues de scène – des boubous – des Londoniens lors de leur dernière tournée.

La vidéo de Chunk, le nouveau single tiré de leur album Coconut, nous prouve que leur attachement au continent africain va – un peu – au delà de la facade.

Comme toujours, avec ce groupe, difficile de décrypter le message derrière l’image, si tant est qu’il y en ait un.

Tout comme nous n’étions pas parvenu à les amener à décrypter le revirement musical opéré sur le dernier album lors de notre récent entretien avec eux, difficile de trouver une explication à la multiplication des références à l’Afrique.

Toujours est-il qu’ABO a choisi d’illustrer Chunk en nous emmenant dans la brousse, sur les traces d’un danseur visiblement enthousiasmé par la musique l’accompagnant.

Les images sont signées par Leo Scott, collaborateur régulier d’Harmony Korine, ce qui ne nous en dit pas plus sur leur sens.

Certaines choses méritent peut être de rester mystérieuses.

Son dubstep aérien – post-dubstep disent certains, preuve que les genres musicaux sont de plus en plus voués à une mort rapide – le range dans la catégorie des Burial et consorts.

Il s’est par ailleurs illustré en collaborant à de nombreuses reprises avec les talentueux Mount Kimbie.

Son nouvel EP, Klavierwerke, sort le 10 octobre prochain chez R&S, et le jeune homme n’est visiblement pas décidé à attendre: il vient de mettre en ligne le titre éponyme.

C’est à écouter ci-dessous.

Enjoy.

Ca va beaucoup les agacer, parce que c’est totalement faux.

The Very Best, c’est une histoire d’exil. Pas le genre fuite forcée pour échapper à la main de fer d’un régime oppresseur, ni même le genre fugue adolescente loin de papa-maman-qui-ne-me-comprennent-pas.

Non, c’est tout simplement la rencontre de trois jeunes mecs venus à Londres pour voir un peu ce qu’il s’y faisait.

Esau Mwamwaya, né au Malawi, vient y découvrir cette musique anglo-saxonne qu’il ne connaît que par les nombreux disques que possède son père. Etienne Tron, Parisien, issu de la bande de TTC, est là pour bosser chez Big Dada, et se lancer dans la production. Johan Karlberg, hip-hop kid suédois, vient vivre dans les squats avec ses potes.

Les deux derniers se rencontrent par hasard, et décident de former le duo Radioclit. S’en suivent quelques prods pour M.I.A. – alors toujours maquée à Diplo, grand pote d’Etienne -, Vampire Weekend ou Santigold.

Et c’est une nouvelle fois par un hasard complet qu’ils croisent la route d’Esau, batteur-chanteur parfaitement inconnu, et qu’ils lancent The Very Best avec un premier morceau, “Tengazako“, remix-reprise du “Paper Planes” de M.I.A.

Carton immédiat. Ils s’attaquent alors à l’écriture de leurs premiers morceaux, de leur première mixtape, puis de l’album “Warm Heart of Africa”, bric à brac total et réjouissant, ni Africain, ni Européen, mais “world” au sens premier du terme : sans frontières.

“C’est difficile à dire”, répète ainsi à l’envi Sam Windett, chanteur et guitariste de la bande, dès qu’on lui pose une question. Dur dur, donc, d’entrer dans le secret de la naissance de “Coconut”, dernier album en date du groupe.

Passés d’un blues-rock puissant et poisseux à une débauche d’effets spéciaux, du 4/4 qui file tout droit à des tempos bien chaloupés, les trois Londoniens laissent donc le champ libre à l’interprétation quant aux motivations qui les ont poussés à ce changement plutôt radical.

Ceci dit, on aurait bien aimé que Sam nous explique un peu son cheminement, ses goûts, ou encore qu’il nous parle un peu de Sun Ra. En voyant le clip de “Shark’s Tooth”, on pense forcément à l’univers du roi du jazz cosmique, et notamment à son film “Space is the place“.

On aurait également souhaité évoquer avec lui l’influence qu’auraient pu avoir pour eux l’Italo disco, la Space disco ou encore George Clinton et sa “Mothership“.

Tant pis, on aura tout de même appris le goût du bonhomme pour les posters de rock californien des 60′s et 70′s, et sa préférence musicale pour l’Allemagne à la même époque: Kraftwerk, Can, Amon Düül et tout ce que le Krautrock a fait de meilleur.

C’est déjà pas mal.